L'équipe de baseball de Cleveland, Les Indians, est la risée du championnat, classée bonne dernière. Pour couronner le tout, le propriétaire de l'équipe d'un certain âge, s'est marié avec une danseuse exotique, et n'a pas survécu à la lune de miel. La veuve héritière de l'équipe, décide alors de s'en débarrasser en engageant les pires joueurs, pour ne pas avoir à renouveler leur contrat... (Résumé : cinémotions.com)

S’il y a bien un genre que seuls les américains savent faire, c’est bien le film de sport. Plus qu’un genre, c’est une véritable tradition pour un pays qui voue une certaine vénération pour bon nombres de disciplines. Du basket au foot US en passant même par le cyclisme ou carrément des sports farfelus (l’irrésistible DodgeBall), tout y passe.

Sport ultra populaire outre-atlantique, le Baseball ne pouvait certainement pas y échapper.

Parmi ces plus sympathiques représentants, difficile de faire l’impasse sur ces « Indians » qui, non seulement, dégagent une bonne humeur communicative mais surtout, relève le défi de ne pas mettre sur la touche, les nombreux novices de ce sport, dont les règles sont encore méconnues dans notre vieille Europe.

Partant d’un postulat de départ des plus simples, une équipe doit remporter le championnat pour ne pas être délocalisée, David Ward, spectateur aguerri de la discipline nous propose un film particulièrement bien construit, de la loose totale, à la succès story que même les non initiés n’auront aucune peine à suivre et à apprécier.

Gags efficaces, punchlines percutantes, personnages charismatiques, « Les Indians » réussissent sans conteste, leur mission de nous divertir, de nous faire rire et même de nous faire vibrer.

On se laisse porter, tel un supporter par la progression et les succès de cette équipe montée de bric et de broc avec des personnalités loufoques, incarnées par un casting aux petits oignons.

En tête, le toujours excellent Tom Berenger, leader sur le retour qui voit ici, sa dernière chance de finir sa carrière en beauté. Evolue autour de lui le débutant Wesley Snipes qui, avant de se perdre dans de négligeables séries Z musclées, montre ici, une certaine aptitude à la comédie qu’il n’a malheureusement pas su exploiter par la suite.

Mais la vraie star de l’équipe, c’est « Wild Thing », le lanceur le plus rapide du championnat mais qui s’avère être complètement bigleux. C’est le turbulent Charlie Sheen qui endosse le maillot de celui par qui le succès arrivera.

Pour compléter le cast, à noter la présence inoubliable de Dennis Haysbert (le président Palmer dans la série « 24 »), en batteur cubain allumé au culte vaudou, de René Russo ou encore de Corbin Bernsen…

Bref, une distribution première classe pour une comédie sans prétention, sans artifice et qui fait du bien.

Londres, 1982. Au cours d'une manifestation organisée par les militants de la "Voix du peuple", un groupe pacifiste luttant contre le nucléaire, un homme est abattu au nez et à la barbe du service d'ordre. Cet homme était un agent des services de renseignements britanniques, infiltré dans l'organisation depuis quelque temps déjà. Sa mission tirait à sa fin ; il avait en effet découvert que certains leaders de cette organisation préparaient un attentat de grande envergure pour frapper l'opinion publique. Pour le remplacer, un nom s'impose d'emblée : celui de Peter Skellen, un brillant officier du S.A.S. (Secret Air Service). A la suite d'une mise en scène, Skellen est radié du S.A.S. pour avoir brutalisé deux officiers étrangers. Son physique attirant va servir au mieux sa mission. Il devient très vite l'amant de Frankie, une militante de la "Voix du peuple". (Source : cinédestin)

Entre la fin des années 70 et le milieu des années 80, les actions terroristes de revendication politique, se multiplient à travers le monde. De l’Afrique à l’Europe en passant par le Proche Orient, le globe connait une vague sans précédent où la moindre contestation justifie une action.

Forcément, le cinéma n’allait pas se priver d’exploiter ce climat d’insécurité mondial et le nombre de projets s’inspirant de ces faits divers se mit à gonfler rapidement. Pour le cas présent, direction Londres pour l’une des plus grosses productions de l’année 82 outre manche.

Surfant sur une crainte toujours plus grandissante du nucléaire à l’époque (voir « Le Jour d’Après » produit aux USA, l’année suivante), ce film nous narre comment les S.A.S vont devoir déjouer une action terroriste de grande ampleur fomentée par un groupuscule anti-nucléaire soi-disant pacifiste. Un pitch des plus simplistes pour un film que l’on peut prendre de deux manières totalement différentes.

Si l’on a décidé de se poser devant un simple film d’action espionnage en faisant totalement abstraction du fond, alors oui… On passe un très bon moment, le film étant ultra efficace malgré quelques longueurs et un final qui laisse un peu sur sa fin.

De l’infiltration à la prise d’otage finale, la tension monte crescendo grâce à une intrigue plutôt bien ficelée sauf quelques « coquilles » grossières et erreurs de mise en scène et de montage presque impardonnables.

Dans la droite lignée des films de commandos, le film se regarde donc avec un enthousiasme certain, porté par un casting solide avec Lewis Collins, star de la série « Les Professionnels » et une excellente Judy Davis

Après, si l’on décortique le film en profondeur, on peut tout de même émettre quelques doutes quant à l’axe choisi. En effet, on ne peut nier que le film se situe clairement du côté des pro-militaristes, faisant passer les pacifistes, financés par d’obscurs mafieux, pour des illuminés prêts à faire sauter… des missiles nucléaires pour que leur message soit entendu…

Heureusement, l’armée est là pour tout remettre en ordre…

Pas de demi-mesure donc et surtout pas de réflexion très fine sur un sujet plus que polémique.

A chacun de faire son propre jugement…

Reste un bon film d’action qui, malgré de nombreux signes de vieillesse, tiens encore bien la route.

Les Montelli s'installent dans leur maison d'Amityville. Tout se détraque bientôt : le sang coule des robinets et le frère abuse de la sœur puis assassine toute la famille. Convaincu qu'il est la proie du démon, le père Adamski exorcise le jeune homme, mais c'est lui dont le démon s'empare. (Source : Cinemovies)

C’est en 1974 que la véritable affaire d’Amityville défraya la chronique aux Etats-Unis : Le massacre d’une famille entière par l’un de ses membres, dans une maison proche de Long Island.

Le 13 Novembre, en pleine nuit, Ronald Jr tue ses parents, frères et sœurs dans leur sommeil. Il prétend alors qu’une voix qu’il assimile au diable, lui avait ordonné d’éliminer tous les membres de sa famille.

Cette histoire macabre ne décourage pas une nouvelle famille de s’installer dans la maison, plus d’une année après la tuerie. Pensant trouver la maison de leur rêve, les Lutz déchanteront très vite, déclarant subir des phénomènes paranormaux de plus en plus fréquents et surtout, entendant, eux aussi cette voix mystérieuse qui leur demande de partir.

Assez surprenant, c’est l’histoire des Lutz (romancée dans un livre de Jay Anson) qui sera d’abord adaptée au cinéma en 1979 par Stuart Rosenberg dans le premier opus d’une saga devenue interminable (bientôt 10 films…), plutôt efficace mais finalement assez soft, qui décevra les férus d’épouvante.

Malgré cela, le succès est au rendez vous et la mise en chantier d’un second opus ne se fait pas attendre. Naturellement, c’est une préquelle qui est lancée, basée cette fois-ci, sur le massacre de la famille Defeo.

Désireux de donner un coup de boost et de satisfaire les fans du genre, les producteurs s’adressent à Damiano Damiani, un réalisateur italien spécialisé dans le western musclé, espérant une approche plus frontale du projet.

Ce que l’on peut dire, c’est que la mission est en grande partie réussie. En effet, dans sa grande majorité, cette préquelle est tout simplement, supérieure à l’original.

Grace à une judicieuse utilisation de la camera subjective, Damiani propulse le spectateur au cœur de ses propres peurs. La tension est immédiate et omniprésente. Des scènes dans le sous sol de la maison, en passant par la visite du prêtre, jusqu’à la « possession » du jeune homme, l’ensemble fonctionne à merveille. On a tout simplement peur.

Jonglant avec la morale sociale et religieuse de manière parfois très limite (la relation incestueuse entre le possédé et sa sœur …), le réalisateur accentue sans conteste, le malaise du spectateur.

Bref, nous n’étions pas très loin de tenir l’un des classiques du genre jusqu’à la fin de cette (longue) première partie qui se conclue par le massacre de la famille.

Alors que le film aurait très bien pu se terminer là, Damiani enchaine sur une seconde partie consacrée à l’exorcisme du jeune homme.

Voulant à coup sûr surfer sur le succès du film de Friedkin, les producteurs ont donc eu la mauvaise idée de nous offrir une vingtaine de minutes supplémentaires repompées en grande partie sur « L’Exorciste ».

Quel dommage car le film perd en crédibilité et par la même, en efficacité, nous laissant sur un sentiment finalement assez mitigé.

Au final supérieur au film de Rosenberg, ce second film de la saga rate la dernière marche du panthéon des classiques du genre par excès d’opportunisme. Ca en est presque rageant.

Se référant constamment à l'éducation qu'il a reçue, Antoine Chevrier, flûtiste, disquaire, ne pense que dégradation des moeurs, perte du sens du devoir chez les jeunes de maintenant et disparition de la culture française. Le dialogue avec son fils Philippe, lycéen de dix-huit ans, est donc des plus limités. Et malgré son caractère accommodant, malgré les interventions de sa mère, il supporte de moins en moins ce père intransigeant. C'est ainsi qu'après une réaction plus vive qu'à l'ordinaire parce qu'il a été collé au bac, il quitte le cocon familial. Alors, sans argent, sans logement, il s'en tire grâce à l'amitié. Il s'installe chez Julien, l'un de ses copains, séducteur impénitent qui lui fait partager ses conquêtes, puis trouve, par l'intermédiaire d'une amie, une place de disc-jockey dans une boîte de nuit. Là, il rencontre un de ses professeurs, Philomène, dont il est amoureux. Et, à partir de ce jour, il prend chez elle, tous les matins, des cours de rattrapage un peu particuliers. A la grande joie de son père qui a eu vent de l'affaire et se félicite de voir son fils se mettre enfin au travail! Un peu plus tard, Philippe rencontre Marlène, une étudiante en architecture passionnée de moto. Avec elle il découvre un autre monde et... l'amour!!!  (Source : ciné ressources)

A la base, difficile de faire plus répulsif : prenez l’une des plus grandes stars des comédies nanardes des années 80, le réalisateur de « Prends ta Rolls et va pointer » ou le scénariste des « Bidasses en vadrouille », une affiche immonde et rajoutez y un titre complètement débile et vous êtes à peu prêt sûrs d’obtenir l’une des fine fleurs du pire de la production cinématographique française de l’époque.

Mais ce qui, sur le papier, apparait comme une évidence, l’est finalement, beaucoup moins sur l’écran. Loin d’atteindre des qualités insoupçonnées, le film de Balducci n’est tout de même pas la purge attendue.

Par une véritable volonté de se détacher des débilités éculées qui fleurissent à l’époque, Richard Balducci a décidé de nous proposer un sympathique portrait de la jeunesse de ce début des années 80 et son traditionnel décalage avec l’ancienne génération.

Un effort louable qui se traduit par un film inoffensif, tout à fait regardable qui, sans être d’une finesse folle, se suit sans ennui.

Bon, ne cherchez pas non plus une analyse profonde et subtile du conflit des générations, les clichés ont tout de même la part belle ici, ni une qualité de jeu et de mise en scène au dessus de la moyenne, mais l’initiative permet néanmoins, une certaine indulgence quant au résultat.

C’est l’un des fils Gélin, Manuel,  qui incarne le jeune héros au centre de cette histoire d’émancipation adolescente ultra light. Même si il est assez loin du talent de son père, celui qui animera une célèbre émission jeunesse dans les années 90 sur France 2, s’est sort pas trop mal.

Face à lui, c’est l’éternel Jean Lefebvre qui endosse le rôle du père borné qui va vouloir petit à petit retrouver l’affection de son fils. Ici, Lefebvre a enfin (un peu) mis de côté son cabotinage de boulevard habituel pour nous offrir un jeu plus soft qui, sans être exceptionnel, loin de là, n’est pas désagréable.

Autour d’eux, on remarquera les sympathiques présences de Jacques Legras, Denise Grey (toujours géniale),  Sabine Paturel, l’éternelle interprète des « Bétises » et même Brigitte Lahaie.

On pourra reprocher une approche assez superficielle et maladroite du sujet (aujourd’hui bien datée) ou une qualité technique plus que moyenne, ce petit film, plutôt méconnu, est loin de la catastrophe à laquelle on pouvait s’attendre.

Deux amis d'enfance, Maurice Meinard et Eric Chambon, se retrouvent par hasard après de nombreuses années. Le premier est écrivain, le second, habile perceur de coffres-forts. Leur amitié renaît et les deux hommes décident d'associer leurs talents complémentaires. L'écrivain imagine un hold-up dans une banque, tandis que le second s'occupe de la mise au point de l'opération. Au jour J, l'affaire, minutieusement préparée, semble se dérouler rondement. Malheureusement pour les deux compères, un impondérable, en la personne d'un photographe au déclencheur facile, posté aux environs de la banque, vient compromettre leur sécurité... (Source : téléloisirs.fr)

Il est de ces films qui, malgré un casting fourni et des plus solides, ont fini par tomber aux oubliettes. C’est typiquement le cas de cette « Part des Lions » dont les présences de Charles Aznavour, Robert Hossein, Michel Constantin ou encore Raymond Pellegrin,  n’auront pas suffi au film de continuer à exister à travers les années.

Il doit bien y avoir une raison à cela me direz vous…En tout cas, même si on est loin du chef d’œuvre méconnu, le film de Jean Larriaga est loin d’être mauvais. Mieux, il se laisse regarder sans déplaisir grâce, justement à son excellent casting et un scénario simple, peut être même un peu trop, mais efficace.

Dans la plus pure tradition du polar français de l’époque, Larriaga nous propose l’histoire assez classique de deux anciens amis qui, réunis à nouveau, décident de préparer le hold-up d’une banque, non sans accrocs.

Un postulat simple qui grâce au duo Aznavour/Hossein, admirable, prend, tout de suite, une valeur supplémentaire. Complété par deux « gueules » du cinéma populaire français de l’époque (Constantin et Pellegrin), le casting assure le boulot de la meilleure de manière, sans cabotinage mais avec un vraie intensité.

Dommage que tous ces personnages qui font l’intérêt principal de ce film,  soient, paradoxalement,  autant sous exploités au détriment d’une intrigue, pourtant mince. On aurait aimé plus de détails et de profondeur sur chacun des protagonistes. Malheureusement, on n’en saura pas plus sur le parcours de ces deux amis et le pourquoi de leur éloignement avant les retrouvailles et leur complicité retrouvée. Idem pour le seul personnage féminin, interprété par l’italienne Elsa Martinelli, plus ou moins attaché à l’énigmatique Hossein, il reste totalement superficiel voire, inutile.

Heureusement pour le spectateur, pour le reste, on ne s’ennuie pas. Les scènes s’enchainent à un bon rythme grâce à un montage serré et quelques moments plutôt bien menés, notamment une efficace course poursuite.

Pour tous les amateurs de polars 70’s à la sauce frenchie, le contrat est, malgré quelques réserves, assez bien rempli. Sans être inoubliable, le film de Larriaga mérite mieux que le placard dans lequel il semble avoir été placé.

Batman est en butte aux attaques répetées du forcené Double-Face, tandis que son alter ego Bruce Wayne s'est attiré la haine de l''Homme-Mystère'. Les deux malfrats s'allient, tandis que le héros milliardaire noue une idylle avec la séduisante Meridian Chase et trouve un partenaire en la personne de Dick Grayson, qui veut se venger de Double-Face.(Source : cinemovies.fr)

On s’en doutait ; prendre la relève de Tim Burton reste un sacré gage où l’on a plus à y perdre qu’à y gagner. Quand, en plus, c’est pour le nouveau volet de l’une des franchises les plus célèbres du cinéma américain, c’est quasi mission impossible.

Joel Schumacher l’a compris. S’il veut « survivre » à ce sacré défi, il n’a pas d’autre choix que de prendre un axe opposé à celui de Burton, pour la troisième aventure de Batman.

Ca tombe bien pour lui, Warner trouvant l’univers du réalisateur de « Beetlejuice » trop sombre et trop glauque pour son justicier masqué, le studio se met en phase avec la nouvelle approche de Schumacher.

Exit donc l’ambiance noire des 2 premiers volets, c’est vers une mise en image beaucoup plus colorée et accessible pour le public familial que tend le réalisateur.

Exit aussi Michael Keaton qui n’a pas souhaité réendosser le costume du justicier pour…divergences artistiques (bien le lui en a pris…), c’est finalement Val Kilmer qui prend sa succession….

Un reboot souhaité donc par Warner (le second volet étant considéré comme un échec) qui va finalement s’avérer être une catastrophe artistique.

En effet, on ne peut que le constater, malgré toute la meilleure volonté du monde et un certain affect pour le héros de DC Comics, le résultat est une très grosse déception, proche de la purge.

Faute d’abord, à un scénario des plus bancals où Bruce Wayne, aux prises des hystériques et insupportables, Double Face et Homme Mystère, doit choisir entre ses sentiments pour la (encore) belle Nicole Kidman et son rôle de justicier.

Ce dilemme qui aurait pu et dû donner un peu de profondeur à l’ensemble, est « englouti » dans une bouillie visuelle et sonore indigeste.

Les effets numériques n’étant pas encore arrivés au très haut niveau actuel, nous subissons un univers fluo, à l’opposé donc de Burton,  à la fois kitch et dépassé, fait de cartons pate et de lumières criardes.

C’est là que l’on peut se rendre compte de l’étendue du progrès technologique que l’on a pu faire depuis une quinzaine d’année et la comparaison est sans appel.

Côté casting, là encore, difficile de ne pas être indulgent.

Val Kilmer semble totalement absent et pas vraiment à l’aise dans la peau d’un héros. Face à lui, les « méchants » incarnés par Tommy Lee Jones et Jim Carrey, en font des caisses et c’est rien de le dire. Vite insupportables, on redoute chacun de leur passage à l’écran. Nicole Kidman, quant à elle, traverse le film de manière totalement anonyme. Sans oublier Chris O’Donnell qui devait marquer l’arrivée (tardive) du personnage de Robin au sien de la franchise. Trop peu exploité et presque négligé, difficile de juger…

A trop vouloir s’éloigner de la patte Burton (même Danny Elfman a été remplacé par Elliot Goldenthal à la musique), Schumacher s’est pris les pieds dans le tapis avec ce sommet de ringardise.

Tout cela n’empêchera malheureusement pas le public de se déplacer en masse à l’époque, permettant au réalisateur de nous infliger un « Batman & Robin » de triste mémoire.

Nick Chen est un bon flic. Véritable exemple pour ses collègues de la police de New York, il est expéditif, rusé et introduit dans le milieu des triades. Danny Wallace est un bleu mais il a une volonté de fer. Pourtant, lors de son baptême du feu, il fait preuve d'un manque de courage certain au devant d'une fusillade. Entre l'idéaliste et le corrupteur, s'engage une confrontation musclée...(Source : cinemovies.fr)

En ce milieu des années 90, le cinéma de John Woo connait une popularité internationale sans précédent. Le dyptique du « Syndicat du crime », « The Killer » ou « A toute épreuve »… Autant de films pour autant de succès, réveillant le polar d’action qui avait grand besoin d’un second souffle dans le paysage cinématographique mondial.

Sans surprise, Hollywood décide de débaucher l’acteur fétiche du réalisateur, Chow Yun Fat espérant profiter de la popularité grandissante de la star asiatique.

Après le sympathique « Un Tueur pour Cible » avec Mira Sorvino, il apparaitra donc dans un nouveau polar, « Le Corrupteur » aux côtés du « pas encore confirmé » Mark Wahlberg.

Un duo qui pouvait laisser craindre un mauvais buddy movie comme Hollywood sait les faire.

Heureusement, il n’en sera rien.

Au contraire, le réalisateur James Foley nous propose un vrai polar, pur et dur avec, en toile de fond, l’immigration clandestine, la guerre de gangs que se livre la communauté chinoise de New-York ou encore la corruption policière.

Un scénario riche qui ne néglige aucun de ses axes, réservant même son lot de surprises…mis en image sans artifice mais avec beaucoup de rythme.

A l’heure où tout est effet de style, influencé justement par un cinéma asiatique omniprésent de nos jours (Takashi Miike, Johnnie To ou bien sûr John Woo), Foley décide d’en prendre le contre pied et choisit un classicisme qui fait du bien aux yeux et aux oreilles, préférant se baser sur son duo excellent d’acteurs.

Entre méfiance, complicité naissante et trahison, le duo, bien dirigé, fonctionne à merveille.

Presque facile avec de tels grands acteurs

Pour les amateurs d’adrénaline, ne vous alarmez pas, le film réserve quant même, quelques scènes d’action particulièrement réussies, notamment une course poursuite des plus efficaces.

Sans atteindre le talent d’un James Gray, l’éclectique réalisateur du très bon « Comme un Chien Enragé » ou du nullissime « Who’s That Girl » nous livre assurément l’une des meilleures rencontres entre le néo policier asiatique et le polar US de la plus grande tradition de ces dernières années

Dommage que « Le Corrupteur » n’ai pas connu le grand succès escompté (le film étant à peine rentré dans ses frais grâce aux recettes mondiales) et qu’il soit tombé, depuis, dans un certain oubli.

Georges Le Roi vit de petits boulots et sa vie sentimentale se partage entre deux petites amies jusqu'au jour où il tombe amoureux de la belle Sophie, employée par un institut de sondage. Georges enregistre une déclaration à son intention mais la cassette est par erreur diffusée dans toute l'entreprise. Le succès est immédiat et Sophie commercialise la prose romantique de son soupirant. (Source : cinémovies.fr)

Parmi les effets salutaires des évènements de 68, on peut assurément y associer une certaine idée d’expression libertaire liée à l’émancipation sexuelle de l’époque.

Wolinski fait parti de ces auteurs dessinateurs qui symbolisent cet élan sans précédent avec ses compères Reiser, Cavanna ou Siné.

Se définissant lui-même comme un machiste féministe, il est un passionné des femmes, véritable source d’inspiration de son œuvre complète.

Au milieu des années 70, avec son compère Claude Confortès, il crée ce personnage insolite du roi des cons, sorte de dragueur looser, plein d’humour et pas vraiment méchant, taraudé entre le sentiment amoureux et l’amour du sexe.

Vous l’aurez compris, finalement, le roi des cons, c’est Wolinski lui-même.

Après une première apparition au théâtre synonyme de succès, une adaptation au cinéma s’impose rapidement et c’est Francis Perrin, dont c’est le véritable premier rôle en tête d’affiche, qui est choisi pour incarner ce roi.

Cette toute première collaboration cinématographique entre Wolinski et Confortès se renouvellera par 2 fois par la suite avec le très sympathique « Vive les Femmes » et le raté « Paulette »

Au final, le sentiment général est mitigé. D’un côté, on ne peut que se satisfaire de cette liberté de ton qui a presque disparue aujourd’hui. En effet, on ne cherche pas ici à être fédérateur mais juste à faire marrer les amoureux de l’univers de Wolinski par cette réflexion non dissimulée sur la place de chacun dans le couple.

En cela, le film est plutôt réussi. Grace à une bonne humeur générale, un casting en forme et un nombre conséquent de guests (Berry, Rego, Giraud, Aumont…), on adhère sans trop de soucis à l’ensemble.

Francis Perrin est plus qu’à l’aise dans la peau de ce lover au cœur d’artichaut, manipulé par les femmes que lui-même manipule. Autour de lui, on retrouve Bernadette Lafont, Evelyne Buyle, Fanny Cottençon ou encore la très belle Marie-Christine Descouard que l’on reverra, un an plus tard dans « Le Professionnel » au côté de Jean Paul Belmondo.

Là où le bas blesse, c’est assurément au niveau du scénario. Le passage du théâtre au grand écran est ici,  assez difficile. Le script n’étant finalement qu’une succession de saynètes inégales, le film souffre dans l’ensemble de liant et d’un manque de rythme flagrant.

Sans  être ennuyeux, le tout rame un peu pour atteindre un épilogue simpliste.

C’est bien dommage car l’entreprise ne manque pas de qualités. Des qualités que le public avait su reconnaitre à l’époque, le film cumulant près de 2 millions d’entrées en fin d’exploitation.

Flambeur repenti, l'inspecteur principal Simon est l'ami du commissaire Tramoni. Lorsqu'il découvre que ce dernier entretient des relations troubles avec la pègre par l'intermédiaire d'un indicateur, Simon décide de mener une enquête qui le conduira de nouveau dans les salles de jeux. (Source : cinemovies.fr)

Le polar français a toujours eu une renommée internationale plus que méritée. De Melville à Deray en passant par Clouzot ou Verneuil, notre cinéma peut se vanter d’avoir parmi ces films du genre, de véritables chefs d’œuvres.

Malheureusement, depuis 20 ans, le genre se fait plus rare et la qualité de la production s’en ressent même si actuellement, une génération de cinéastes (Marchal, Cavayé et quelques autres) tente de lui redonner son éclat avec un talent certain.

En cette fin des années 80, le déclin est déjà bien entamé et le polar français, bien moribond.

C’est en 1987 que sort le (seul) film de l'acteur Jacques Santi qui, loin de l’idée de le mettre au même niveau de ses prédécesseurs, renoue avec certitude, avec le haut du panier.

Noir c’est noir et tous pourris ou presque. Santi nous peint un portrait peu reluisant des hauts fonctionnaires et de leur rapport avec la pègre, entre corruption et laxisme. 

Certes, ce thême n'est pas des plus originaux mais grâce à une belle galerie de personnages soutenue par un excellent trio d'acteurs, Santi s'en sort plutôt bien malgré une mise en scène passe partout.

Richard Bohringer, d'abord. Un flic sur le retour découvrant les liens étroits qu'entretient son ami de patron avec le milieu, obligé de retrouver ses vieux démons pour mener son enquête. Un personnage constamment sur la corde raide fait pour un Bohringer lui-même hanté par de vieux combats personnels.

L'ami, c'est Pierre Arditi qui l'incarne, un beau pourri bien propre sur lui. L'acteur prouve une nouvelle fois qu'il peut tout jouer avec la même crédibilité.

Julien Guiomar prend, quant à lui, le rôle du caid de service. Celui que le grand public nomme Tricatel, en souvenir de son rôle inoubliable dans "L'aile ou la Cuisse", interprète avec aisance mais aussi un certaine ironie, ce mafieux des plus classiques.

Bref, on pourra aujourd'hui reprocher à ce film, une facture classique, voire un aspect "téléfimesque", il n'en demeure pas moins un bon polar.